文字 | EAC学员 刘俊尧
编辑 | Maggie
制作 | Summer
音乐
演出制作
如果要用一个词来形容陆纨君老师（我们更爱叫她“丸子老师”）的课堂，我会选择“呼吸”。
这不是一堂传统的MBA课，没有枯燥的财务报表堆砌，也没有高悬云端的艺术理论。一天的时间里，我们这群习惯了商业逻辑的学生，被她一把拉进了排练厅的聚光灯下，真切地感受到：一部好的音乐剧，不是冷冰冰的产品，而是一个有温度、会呼吸、能感受到能量的生命体。
作为国际音乐剧引入中国的先行者，陆老师曾长期专注于演出制作、运营与推广领域，一手管理制作了《妈妈咪呀!》、《猫》等经典音乐剧的中文版。这些作品当年席卷全国、广受好评，不仅创造了惊人的票房奇迹，更被媒体誉为开启了中国的“音乐剧元年”。
在这堂课上，陆老师带着她横跨北京中山音乐堂、中国对外文化集团，再到亚洲联创的宝贵实战经验，为我们揭开了音乐演出制作的神秘面纱。“音乐剧不是一个人在战斗”。
授课中的丸子老师
课程一开始，丸子老师没有直接开讲，而是让我们玩起了互动游戏。当我们放松的试图感受自己的身体能量，和伙伴的能量，游戏后她点破了其中的深意：舞台上那种无缝对接的化学反应，源于排练厅里日复一日的情感连接 。
然而，这种强烈的连接又是一把双刃剑——它能让作品熠熠生辉，也意味着一旦有人缺乏契约精神，便会迅速瓦解整个团队的向心力。
这让我深刻意识到，音乐剧制作是一门关于“人”的艺术。作为制作人，不仅要懂戏，更要懂人心。从选角时的慧眼识珠，到订立规矩时的铁面无私，每一个细节都在为那个最终在舞台上“会呼吸”的作品奠基。
课堂中的刘俊尧同学
作为国际音乐剧中国化的先行者，丸子老师曾任职于中国对外文化集团，并在亚洲联创期间管理制作了《妈妈咪呀!》和《猫》的中文版，这两部作品曾以席卷之势巡演全国数百场，收获了市场的广泛好评 。
课堂上，当她复盘这两部经典中文版的诞生过程时，我们才明白那不仅是商业上的成功，更是一次小心翼翼的“心脏移植手术”。
她将那段历程形容为 “描红时代” 。面对《妈妈咪呀!》这样稳居百老汇最卖座排行榜Top10的经典，中文版选择了最谦卑也最聪明的做法：“Copy不走样”。从伦敦西区原版团队的全程指导，到全球海选招募演员，再到谈判桌上的每一个版权细节，一切都照搬百老汇的系统管理 。
当时有人质疑，希腊小岛上“一个女儿三个爸”的故事，搬到中国会不会“水土不服”？面对文化差异带来的错位感，当时作为亚洲联创宣传主管的陆纨君老师曾回应：“爱”才是这部剧的主题，而爱没有国界 。事实证明，当沈小岑用上海话说出“伤不起”，当秧歌舞步融入ABBA金曲的节奏，中国观众不仅接受了，而且沸腾了 。
正是这种“描红”，让我们完整地学到了世界级音乐剧的肌肉与骨骼：高强度排练的机制、预算与巡演规模的精密测算、长达200场的盈亏平衡模型 。这不是简单的复制，而是为了有朝一日能长出自己的血肉。
课上，丸子老师金句频出：“音乐剧制作人和商业公司CEO一样，找戏、找钱、找人，最重要的是还要具备艺术眼光。” 这句话彻底击碎了我对“制作人”的浪漫想象。原来，那份光鲜亮丽的背后，是无穷无尽的焦虑——焦虑上座率、焦虑观众评价、焦虑每一场演出的顺利完成。小到演员的吃喝拉撒，大到安抚情绪防止罢演，甚至面对版权方时，如何通过谈判寻找“第三选择” 。那一刻，我看到的不仅是一位艺术家，更是一位运筹帷幄的管理者。
最让我触动的是，当她谈到演出结束，看着舞台上的一切——人、道具、灯光，回忆起千丝万缕的过程时，眼神里闪着光。她说，直到那一刻，绷紧的神经才能松开。那一刻我明白，支撑她在这条路上义无反顾的，绝不仅仅是商业报表上的盈利数字，而是对这份事业最本真的热爱。
商业演出的
运作与营销
如果说陆纨君老师的职业生涯，是一部聚焦于艺术本体的“制作教科书”，那么赵晨琳老师的视野，则更像一部解码市场的“营销启示录” 。从《摇滚学校》在中国从零开始的观众培育，到操盘《剧院魅影》中文版这个“难度系数10”的顶级IP，她不仅验证了豪华音乐剧在本土市场的巨大潜能，更通过一系列精准的市场策略，让这部经典作品完成了从1.5亿票房到推动文旅消费的“溢出效应”。
授课中的赵晨琳老师
以前的我看演出是“看客”，学完这门课之后，我变成了一个拿着放大镜观察“营销密码”的侦探。这门课带给我的，是一种全新的审视世界的视角。
开场，精准切入，晨琳老师讲述了中国演出市场与国外演出市场的观众结构差异，让我跳出单一认知维度，对“演出”与“营销”的融合逻辑有了全新且立体的理解，收获颇丰，感悟颇深。
在课程分析的案例中，我注意到一个以前从未在意的细节：从观众走出地铁站开始，营销就已经启动了。从沿途的指引路牌（品牌曝光），到入场前的排队等待区（KOL打卡点设置），再到内场的座位分布（票价歧视与心理锚定）。原来，观众在场地内走的每一条路线，都是被精心设计过的消费动线。这让我意识到，优秀的营销不是打断用户的体验，而是成为体验的一部分。
此前，我对商业演出的认知停留在“舞台表演+商业赞助”的表层，认为营销只是简单的品牌植入；对营销的理解也局限于传统的广告投放与促销，从未将二者深度绑定思考。
而课程从核心逻辑出发，拆解了商业演出的商业属性与营销的内容载体属性，让我明白：文化营销的"双重价值"框架——文化产品同时具有"商品价值"和"不可商品化的价值"（如审美体验、情感共鸣、文化认同），营销的难点在于如何在不损害后者的情况下实现前者。
老师讲到《悲惨世界》40周年纪念版音乐会案例，我深受启发。为什么有人可以为了限定版“法棍面包”做两小时公交车去青浦？为什么有海外粉丝托人代购红色外套上有四排珍珠纽扣的“安灼拉熊”？这都是为了制造情绪的可记忆可收纳的点。
另外只有让观众在情绪最高涨的时候离开，他们才会对品牌产生长久的滤镜效应，并在社交媒体上给出好评。这对我未来的工作启发极大：与其面面俱到，不如把一件事做到极致，让用户记住那个瞬间。
一位是在幕后与排练厅中精雕细琢的“造梦者”，用制作的深度为剧目注入灵魂；一位是在台前与市场里运筹帷幄的“破局者”，用营销的广度让艺术触达更广的人群。
当陆纨君老师在EAC的课堂上拆解台前幕后那些关于版权、预算与谈判的执行细节时，赵晨琳老师则用实战案例揭示了商业演出的挑战与可能性 。她们如同太极图的阴阳两面，一动一静，一张一弛，共同勾勒出中国音乐剧从引进版权到本土化制作，再到全产业链升级的完整图景。
正是这种从“制作端”到“营销端”的无缝衔接，才使得舞台上的每一次掌声，最终都能演变为市场端的持久回响。
这门课让我明白，音乐演出制作不仅仅是关于灯光、舞美和票房的生意，更是一项关于“人”的事业。它需要理性的冰冷计算，更需要感性的炙热情怀。正如老师课堂上那温暖而坚定的力量所昭示的：唯有深爱，方能经得起漫长巡演路上的每一次幕起幕落。
